測試廣告1不等克里夫再說什麼，羅南就直接主動進入了正題。筆硯閣 m.biyange.com
「奧利認為，第一部分主歌應該採用鋼琴作為主樂器，而我認為應該使用吉他，這就是我們的分歧。」
簡單地用一句話點名爭論焦點，然後羅南就朝著奧利望去，「奧利，我先說我的意見，然後再由你說你的意見，大家一起加入討論，你覺得如何？」在奧利發出抗議聲音之前，羅南就先發制人地整理了狀況。
奧利翻了一個白眼表示抗議。
羅南不由輕笑了起來，「我就當作你同意了。」而後，重新看向馬克西姆和克里夫。
「在我的腦海里，希望能夠製造出一種循序漸進的感覺。」
「從清唱開始，剝離所有的修飾與裝點，然後吉他切入，再是貝斯、再是鼓點，包括架子鼓這裡也可以切換不同層次，比如先是嗵鼓，再是低音大鼓，就這樣一層一層地將情緒堆積起來，與旋律歌詞完美契合在一起。」
「最終在副歌切入的時候，讓鋼琴成為豐富整個聽覺立體感和深度效果的手段，累積的情緒全部釋放。」
「弦音的清澈和明亮，作為引入階段的輔佐，能夠儘可能減少自己的存在感，不會破壞歌曲的平衡結構，同時能夠與歌詞傳遞出來的情緒完美結合；而琴鍵音的飽滿與厚實，則能夠在副歌部分深入情緒，真正讓情緒之中深層次的不安感沉澱下來。」
說著說著，羅南的眼睛也逐漸明亮起來，原本還不太清晰的思緒就這樣逐漸明確起來——
對於羅南來說，他不曾系統地學習過編曲知識，對於很多東西都只能憑藉著感覺和直覺來捕捉靈感，卻很難用言語準確而清晰地表達出來；不過，今晚卻是一次機會，通過表達和討論，腦海里就能夠源源不斷地湧現出自己對於樂器的運用、對於旋律質感的要求以及對於歌曲風格的定位的諸多想法。
一點一點地，逐漸清晰起來。這是非常有趣的一個過程，有些懵懂、有些模糊，但整體而言，方向是正確的。
羅南忍不住也跟著亢奮起來。
其實，在歌曲創作過程中，作曲和編曲是兩回事。
對於大部分普通人來說，往往容易產生誤解，「作曲就是單純創作一個人聲旋律或者創作音樂作品的主旋律」，但其實，在學術之中的解釋應該是，完成音樂裡面所有的工作，並且創作出能夠演奏的音樂才算是作曲。
在古典主義時期，電腦還沒有發明，作曲的概念就相當於完成所有創作工作，簡單舉例，作曲家應該先寫音樂作品的主旋律，而後為創作出來的旋律搭配適合自己的和聲，其次考慮為主旋律搭配合適的樂器，最後需要把自己創作的所有旋律運用到實際樂器或者演唱者身上，讓音樂作品可以完整呈現。
而編曲，則是音樂體系漸漸完善並且真正商業化之後形成的一個全新概念，尤其是九十年代的電腦普及之後，音樂創作不再依賴於真正的樂隊進入錄音室完成現場演奏、以實際演練來給予作曲家靈感、並且現場做出調整，所有工作都可以在電腦上直接完成，並且儘可能真實還原樂器原本的效果，於是，編曲環節也就漸漸獨立了出來。
音樂產業漸漸工業化商業化之後，每個工作都進一步細分化專業化，可以把一首歌曲的創作分配給不同人完成，比如說一個人負責創作歌曲的旋律與和聲，一個人負責創作鍵盤類樂器聲部，一個人負責創作電聲類樂器聲部等等，而這些全部都是編曲的工作。
也正是因為如此，當代音樂製作的過程可以區分為：
作曲人，一般是旋律作者；作詞人，還有編曲人——其中編曲人的工作內容又可以細分地包括多個崗位，錄音工程師、混音工程師、母帶工程師等等。
上述情況，全部都是不同人擔綱職責是可能的；全部工作全部由一個人來完成也是可能的。
總而言之，當代音樂產業之中的作曲，就是單純地創作一首歌的人聲部分，又或者是一個特定部分的器樂旋律；而當代音樂產業之中的編曲，則包括後續的龐雜工作，編寫歌聲、調整和弦、樂器的選擇與搭配、一些效果器的使用、音樂文件的導出等等。
由此可
